ESTA ALEMANA FORMADA EN INGLATERRA Y AFINCADA EN BARCELONA NOS HABLA DE SU PRIMER ÁLBUM

-Me encantaría algún día hacer un proyecto que no se ajuste necesariamente a las tendencias del momento-

Molly Mogul es una artista bilingüe y multidisciplinar que mezcla pop, experimentación sonora y performance. Su trabajo se ha formado entre Múnich, Bristol y Barcelona, en una trayectoria nómada marcada por la escena underground. Su álbum debut reúne años de creación entre idiomas, ciudades y disciplinas. Contesta a nuestras preguntas y nos da su personal visión del mundo.

¿Cómo surgió por primera vez «A Bouquet of Hopes and Dreams»? ¿Fue algo que concebiste como un concepto claro desde el principio o fue tomando forma gradualmente durante el proceso?

Es mi primer álbum y realmente no hubo mucha planificación en el proceso. No es un álbum conceptual; creo que es más bien una introducción a mí como artista, tanto a nivel sonoro como en cuanto a lo que pasa por mi cabeza. Es una colección de cosas escritas a lo largo del tiempo, como extractos de mi diario.

El álbum parece estar moldeado por un movimiento constante —geográfico, emocional y de identidad—. ¿Qué papel juegan los lugares en los que has vivido en tu manera de entender tu música? Cuéntanos una anécdota de tu tiempo en Barcelona.

Bueno, es un poco una colección de recuerdos de distintos lugares. Empecé a escribir el álbum en Bristol, continué después de mudarme a Barcelona, pasé mucho tiempo en Londres, estuve con mi familia y amigos en Múnich, y grabé en París. Hay una gran diferencia en cómo se siente mi vida en cada uno de esos lugares.

Tu proyecto va más allá de la música, hacia la performance y la expresión visual. ¿En qué momento dejaste de pensar en canciones individuales y empezaste a pensar en una «obra» más amplia?

Realmente no lo hice.

El disco pasa por distintos estados emocionales y texturas sonoras. Cuéntanos sobre el proceso.

Fue un largo proceso de recopilar diferentes demos e ideas. Pasar por una ruptura, mudarme de país, desarrollarme como persona, cambiar mi enfoque en la vida —todo eso moldeó mucho el sonido del álbum. Hay una amplia gama sonora, desde lo muy electrónico hasta lo muy minimalista acústico, pero muestra el rango de situaciones en las que me encontré durante la creación del disco. Siento que desde alrededor de 2023 han pasado MUCHAS cosas que me han transformado como persona y eso impacta directamente el sonido. Para mí, hacer música es una herramienta para atravesar mis cosas y digerir mis experiencias, y creo que todos esos estados emocionales y texturas están capturados en este disco.

Sueles moverte entre inglés y alemán en tu trabajo. ¿Qué cambia emocional o artísticamente cuando cambias de idioma?

En inglés tengo que esforzarme más para formular exactamente lo que quiero expresar. Eso tiene un efecto muy diferente en lo que termino escribiendo. Tengo que pensar más mis palabras, ser más reflexiva con lo que siento. En alemán fluye más, pero quizá no llega al mismo punto. También hay una especie de distancia que puedes tomar de tu propia vulnerabilidad cuando expresas algo en otro idioma. Es como tener una mirada externa sobre lo que salió de tus pensamientos, quizá menos vergonzoso, quizá más como un acto. En cuanto al sonido del lenguaje, me gusta jugar con ambos; a veces funciona como un rompecabezas: cosas que no encajan en un idioma de repente encajan perfectamente en el otro.

El pop experimental suele situarse entre la accesibilidad y la abstracción. ¿Dónde te colocas tú dentro de ese espectro?

Realmente me gustaría encontrar un buen equilibrio entre ambos. No me veo como una cantante de pop puro, pero también creo que hacer arte accesible es importante. No todo el mundo tiene las herramientas, la educación o el tiempo para descifrar obras muy abstractas.

Muchas de tus referencias parecen más cercanas al arte contemporáneo que al pop tradicional, como The Smiths. ¿Qué artistas o disciplinas han influido más en este disco?

Alguien que me ha inspirado mucho en los últimos años es 070 Shake, especialmente en cómo formula emociones y pinta imágenes con palabras, pero también en la forma en que estructura sus canciones de manera no lineal e inesperada. Otros nombres que han influido en mí y en mi sonido durante el último año son Caroline Polachek, Judeline, Oklou, Levin Liam, Ethel Cain. En cuanto al sonido, me gustaría situarme entre Laurie Anderson, Billie Eilish y Lady Gaga, encontrar una forma de integrar elementos experimentales más nicho en un marco más pop.

¿Qué papel juega el cuerpo en tu trabajo? ¿Es una extensión del sonido o parte del proceso creativo en sí mismo?

Wow, no estoy segura de poder definirlo bien, y estoy segura de que es algo que seguirá desarrollándose, pero por ahora todavía estoy intentando encontrar la forma de incorporar el cuerpo en conexión con el sonido.

Me encantaría hacer del proyecto algo más multidisciplinar. En el show de presentación del álbum tuve a 9 bailarines increíblemente talentosos (Diana Wondy, Juliette Huyghues Despointes, Anna Moussaïd, Coline Largeaud, Clara Tena, Élisa Gérante, Minka Konkol, Sido Lorthois e Ines Andrés). Fue un gran primer paso para ver cómo el cuerpo y mi música podían entrelazarse, especialmente al ver lo que otras personas hacían con la música, ya que los bailarines tenían total libertad en sus performances.

Creo que el movimiento en mi cuerpo surge de forma bastante intuitiva y estoy muy emocionada por descubrir hasta dónde puedo llevarlo dentro de mi propio proyecto. Un nombre que siempre me viene a la cabeza en este contexto es FKA Twigs.

En una época en la que la música se consume tan rápido, ¿qué significa para ti crear un álbum completo?

Sinceramente, no creo que mi álbum vaya necesariamente en contra de la tendencia del consumo rápido. Es un álbum relativamente corto, con 11 canciones, de las cuales una es intro y otra interludio. Las canciones no son especialmente largas; tuvimos muchas conversaciones con algunas de las personas involucradas sobre mantenerlas cortas. Me encantaría algún día hacer un proyecto que no se ajuste necesariamente a las tendencias del momento, pero por ahora creo que funciona bien como introducción a mí como artista tal como es, y también hay desarrollos y un zeitgeist en la escena musical que hay que tener en cuenta como artista emergente.

¿Hubo un momento durante la creación del disco en el que sentiste que tomaba una dirección que no esperabas inicialmente?

Creo que el mayor cambio fue llevar los demos a Ciel Rouge en París y trabajar en ellos con Yann (Rose). No había trabajado con muchas personas diferentes; principalmente escribía mis canciones con Niki (young hoffi), mi amigo y colaborador de larga duración en Múnich. Ver cómo otras personas trabajan y cómo el sonido y el estilo personal varían de productor en productor fue muy interesante. Yann es un artista increíble; el proceso de hacer el álbum juntos en París fue muy fluido, tenemos mucha coincidencia en sonido y gusto. Estoy muy agradecida de tener a estas dos mentes creativas a mi lado.

¿Puedes darnos una visión general de tu trayectoria musical, desde tu adolescencia hasta ahora?

Estuve en el coro de la escuela, al que mi padre me apuntó por accidente, lo que fue mi primer contacto con el canto. Fue bonito; creo que en esos años formativos tener un grupo de amigos con los que te reúnes para cantar es algo especial y muy conectivo. Empecé a escribir mi propia música por necesidad y por una ruptura. Conocí a alguien en Marruecos por quien terminé mudándome a Bristol. Mis primeros meses allí fueron bastante oscuros: nueva cultura, nuevas personas, no conocer a nadie ni nada. Me inspiraron artistas del Reino Unido como Cosmo Pyke, Loyle Carner y Lava La Rue, que me motivaron a sentarme en mi pequeña habitación del ático y empezar a escribir canciones.

La primera canción que publiqué salió en 2020 y se llamaba “Frankly”. Después fui sacando uno o dos singles al año mientras estudiaba y me fui conectando más con la escena de Bristol, trabajando con artistas como BIPED, siendo mentoreada por Daisy Moon y encontrando un pequeño nicho haciendo música bilingüe en alemán e inglés. También seguí trabajando constantemente con mi buen amigo young hoffi en Múnich. Solo después de mudarme a Barcelona, cuando nuestras demos fueron recogidas por mi sello, realmente pensé que esto podía ir a algún sitio. Llevamos las demos a París y las desarrollamos con uno de mis productores favoritos, Yann Rose, y empezamos a publicarlas a principios de este año.

¿Qué opinas sobre la IA en la música y como herramienta tecnológica, en general?

Me cuesta la implementación de la IA en el arte en general. El hecho de que se suban 75.000 canciones completamente generadas por IA a plataformas de streaming cada día me da ganas de vomitar. Creo que la IA puede usarse de muchas maneras, pero robar identidades artísticas no debería ser una de ellas. No juzgo cuando los artistas la usan como herramienta en su música, aunque creo que a veces la chispa creativa está en tener que pasar por rodeos para llegar al resultado final. Pero para mí, personalmente, hasta ahora no ha sido interesante usarla.

La otra cosa que esto me provoca es la importancia de las actuaciones en vivo. Lo volví a notar en el concierto de presentación de mi álbum este mes. Creo que un gran aspecto de todas las artes es reunir a la gente, el deseo de conectar y relacionarse, y creo que tener esos espacios en la VIDA REAL es algo que la IA no puede ofrecer. Por eso tengo esperanza en la relevancia de presentarse físicamente y estar presente en el momento.

Fotos de Jordi Santos.